El trabajo artístico y artesanal frente al mercado: creatividad, tecnología y subordinación

Arquitecto y Mtro. en Cs. Sociales, BUAP.  Académico de la Prepa. B. Juárez, actualmente jubilado. 

En el pasado mes de enero apareció publicado el libro: “El trabajo artístico y artesanal frente al mercado: creatividad, tecnología y subordinación. Tensiones en un contexto de precariedad y pandemia en México”. Editado por lo BUAP, coordinado por los Juan Reyes Álvarez y Germán Sánchez Daza, académicos del Centro de Estudios del Desarrollo Económico y Social de la BUAP. El libro es uno de los resultados del Seminario de Economía y Cultura del Doctorado de Economía Política y Desarrollo-CEDES, que desde 2013 se ha dado a la tarea de establecer vínculos de estudio entre los campos de la Cultural y la Economía; cuestionando lo establecido por la Economía de Mercado, que la reduce a bienes y servicios, mutilándola de la dimensión vital del ser humano, de su comportamiento efectivo, tanto en sus momentos extraordinarios como en los cotidianos; y reconsiderando estudios, teorías y conceptos de otras disciplinas sociales y humanistas.

En 2023 el Seminario acordó estudiar la temática del trabajo artístico y artesanal frente al mercado capitalista, con el propósito de conocer y sistematizar las principales problemáticas, circunstancias y comportamientos que experimental ante el desarrollo y expansión del capitalismo, que los subsume a su lógica de valorización productivista y extracción de ganancias, destacando las estrategias de sobrevivencia y resistencia que han logrado generar para enfrentar a la relación de subordinación y fragmentación de su quehacer, así como observar en qué forma está siendo trastocados por el desarrollo tecnológico, automatización y digital e incluso por los efectos pandémicos, así como registrar la situación de la mujer artista y artesana en estos trabajos, en qué medida aún persiste la exclusión de la mujer, la brecha de género, su desvalorización como entes creativos, proveniente del sistema androcéntrico y patriarcal capitalista, clasista y colonial; y reconocer cómo defienden y definen sus identidades los artistas y artesanos según su ubicación de acercamiento o distanciamiento con el mercado capitalista.

El seminario se desarrolló a partir del fundamento ontológico que concibe al sujeto social como sujeto integral, colectivo, sujeto que, a partir del trabajo, trasforma a la naturaleza y se transforma así mismo; siendo la base fundamental de toda la producción de valores de uso, y por lo tanto del arte y la artesanía; así como del desarrollo de sus habilidades físicas, cognitivas, creativas que permitieron la generación de diversos lenguajes, para expresar, comunicar y objetivar su esencialidad humana.

El libro se desplanta sobre la visión crítica de percibir al arte y la artesanía como dos actividades diferenciadas, que originalmente sólo fueron una (la tejné o Art, en griego y romano, que significa habilidad para hacer algo bien hecho o saberes aprendidos a través de la práctica), pero que a partir del surgimiento del capitalismo, y como resultando de la división del trabajo, se diferenciaron, por un lado la valoración del trabajo artístico en lo particular, al grado de que los artistas comienzan a firmar sus productos, y satisfacer gustos, pretensiones, capricho y anhelos particulares elitistas, y, por otro lado, el trabajo artesano es degradado a cubrir necesidades utilitarias y en ocasiones suntuarias. Por lo tanto, esta dualidad, es resultado de esa división del trabajo que, a la fecha, sólo una parte del trabajo artístico es valorado y el trabajo artesano está propenso a su extinción, pero que muestra capacidad de resiliencia y resistencia, como se hace constatar en este documento.

Los 17 artículos que se presentan son acercamientos a problemáticas fundamentales del tema en estudio, y sólo se alcanzan a estudiar a algunos tópicos de ese mundo tan basto del arte y las artesanías. El contenido del libro está organizado en cuatro apartados, los cuales comentamos a continuación.

1. El sistema de producción en las artes plásticas y visuales, integrado por cuatro artículos

Se analizan y discuten los cambios connotativos del concepto arte y sus implicaciones históricas, las nociones de la reproductibilidad del arte y las industrias culturales, desde la perspectiva de Walter Benjamin; la estética, lo estético y el arte como mercancía, donde su valor económico no se regula por el valor abstracto, sino que oscila por valoraciones (extraestéticas) económicas de oferta y demanda, que son definidas por factores mercantiles o “valor agregado”.

Se reflexiona al arte como fetiche mercantil, haciendo una analogía entre los fetiches u objetos mágico religiosos de los grupos étnicos (formas primitivas de creencias religiosas por la que se le asignan a los objetos atributos sobrenaturales y se les da culto) con el concepto marxista de fetichización de la mercancía. Cuando un objeto se trasforma en mercancía (algo intercambiable), lo que importa en su valor de cambio no es el tipo de trabajo, sino el tiempo socialmente necesario que tarda ese trabajo en ser producido. Son formas de trabajo cualitativamente diferentes, que se homogeneizan y son diferenciados solo cuantitativamente, es decir, por la cantidad de tiempo de trabajo socialmente necesario materializado en el trabajo. La fuente humana de la mercancía desaparece, se absorbe y se metamorfosea en la cosa misma.

Se estudia el proceso de conformación del “capital simbólico”, generado fuera de la esfera de producción de las obras artísticas, y se va constituyendo en las esferas de la circulación-exhibición-distribución, participando para ello diversos factores como: el reconocimiento de las instituciones educativas, concursos, bienales, industrias culturales, casas de cultura, museos, galerías, casas de subastas, que ejercen autoridad simbólica; son autoridades que aprueban o desaprueban, que promueven y difunden determinados trabajos artísticos en función de los intereses económicos de los capitalistas, que, a través del mercado se impone, condiciona, selecciona, margina y especula con la producción artística. En donde al precio de la obra se le incluyen los costos de circulación y exhibición, y le agregan el valor simbólico, determinado por criterios subjetivos en la esfera de la circulación. La presencia del creador es reducida al de signo a través de su firma o en signo de prestigio: valor/signo.

Se retoma el debate sobre la desaparición o conservación del aura de Walter Benjamin, entendida como aquello que hace única a cada obra de arte, “su aquí y ahora”, su tiempo y espacio determinado históricamente a partir de su creación, su “unicidad”. Así, se presenta el arte digital o NFT (non-fungible token), como fotografías, videos, ilustraciones, cómics, etc., y cada NFT contiene una firma digital que hace que cada ejemplar sea único, irrepetible, por lo que se defienda la tesis de que el aura se logra recuperar en estos productos digitales o NFT cripto arte, que utilizan algoritmos para que sean identificadas como originales. Sin embargo, por otro lado, está la reproductibilidad técnica de la obra artística como el desmoronamiento del “aura del arte”, que consiste en la separación del arte de su autonomía y existencia irrepetible, de su “aquí y ahora”, es decir, la fragmentación de la “unicidad” de la obra o separación de la historia en la que ha surgido, junto a su producción.

1. El trabajo de los artistas en tensión: precariedad y nuevas tecnologías, conformado por seis artículos

Analiza el comportamiento de la economía naranja o industrias culturales creativas en México, mostrando la creciente relevancia económica de los empleos culturales y artísticos en nuestro país en las últimas décadas, cuestionando la heterogeneidad del agrupamiento de diversas actividades allí incluidas y a la subordinación de todas esas actividades a la racionalidad de la producción capitalista; explica cómo las “Industrias Culturales” son las principales responsables de la pérdida de autonomía y originalidad del arte, fragmentando la cultura, reduciéndola a mercancía; manteniendo la exclusión de la mujer, la desvalorización de su capacidad creativa, limitando su participación sólo en obras de menor alcance.

También se revisa la participación de pintoras en el periodo de la Escuela Mexicana de Pintura y Escultura (1920 y 1950), desde una perspectiva de género, observando cómo la participación de la mujer en la vida laboral y social ha ido en aumentado, aunque siguen existiendo serias limitaciones en su real integración a la vida laboral social y cultural, más aún cuando a este tipo de trabajo se le ubica bajo la categoría de “trabajo no clásico” (de Enrique de la Garza), es decir, no asalariado, eventual, autoempleo, inmaterial y de producción simbólica, generando y ahondando la precariedad, desigualdad e inestabilidad laboral con salarios bajos y falta de protección social.

Se discute la disrupción productiva con nuevas tecnologías, particularmente la producción automatizada que ya presenta la tendencia a la sustitución del trabajo humano por el trabajo de las máquinas inteligentes, teniendo como consecuencia la acentuación de la tendencia decreciente de la tasa de ganancia, por la sustitución del trabajo muerto por el trabajo vivo, que hace que la unidad marginal de capital invertido tenga cada vez menor rendimiento, ya que sólo el trabajo vivo genera plusvalía.

Explica cómo el desarrollo del capitalismo y la expansión de las Industrias Culturales inciden particularmente en el trabajo artístico musical, ya sea como creadores o intérpretes, provocando una creciente precarización económica de las y los músicos, inestabilidad laboral, deteriorando el ámbito de la forma de vida y erosionando potencialmente su subjetividad y capacidades creadoras, todo ello provocando una precariedad estética: degradación de elementos estéticos, expresivos, cognitivos, y simbólicos. Ejemplificando con la primera canción compuestas enteramente por una inteligencia artificial (2016), posteriormente el primer retrato creado a partir de una red generativa adversarial (2018), y la terminación de la Décima Sinfonía de Beethoven, conocida como la “sinfonía inacabada” (2021).

Discuten diferencias entre un artista tradicional y un artista digital, en la producción (aspectos de las formaciones, las herramientas para la producción), en distribución-difusión (diferencias cuantitativas espaciales y temporales). Argumentando que, para Nietzsche, el arte busca explorar y expresar los estados emocionales, psicológicos y filosóficos de la vida humana, en lugar de limitarse a representar la realidad tal como se presenta externamente, mientras que en el mercado digital, existe el riesgo de la copia no autorizada y la reproducción cuantitativa sin límites, y pone el ejemplo del millonario Matin Mobarak, que en 2022, decidió digitalizar el dibujo “Fantasmas siniestros”, 1945 (con valor de 10 millones de dólares) de Frida Kahlo, para convertirlo en NFT y quemar el original. Pero después sacaron 10 mil copias para venderlas.

Se comentan dos grandes problemas en la formación musical en el nivel medio de la educación básica en México: la poca atención de los planes y programas de la educación básica de la SEP, y la escasez de profesionales de la educación en artes. Además, expone los beneficios de una adecuado información y formación en educación artística: contribuye al desarrolla algunas habilidades cognitivas, concentración, pensamiento crítico, pensamiento divergente, resolución de problemas, aumenta la confianza, la autoestima y finalmente, cuestiona el carácter capitalista (obtención de ganancias), de la Fundación Azteca en el un modelo de orquesta de naturaleza privada a cargo del Grupo Salinas.

Actualmente, lo artístico en el programa de la Nueva Escuela Mexicana, lo relacionado con la educación artística no está organizado a través de asignaturas, sino que está dentro del campo formativo del lenguaje, y para su difusión e implementación, es crucial que los educadores cuenten con la formación pertinente para llevar a cabo de manera integral actividades básicas como son escuchar, cantar, danzar, dibujar, pintar, leer, valorar, apreciar, contemplar y así poder integrar lo referente al desarrollo de las Inteligencias Múltiples, planteadas por Howard Garner 1983.

1. Los artistas durante la pandemia, compuesto por artículos

A nivel estadístico, se expone que la actividad económica de las Industrias Culturales fue significativa para el desarrollo económico de México, que incluye empleos formales e informales, y que, a pesar del encierro social a causa del COVID-19 esas actividades se mantuvieron, pero que sí fue uno de los sectores económicos más afectados a nivel mundial, impactando en millones de trabajadores del ramo.

A diferencia del artículo anterior, este es resultado de una investigación de corte cualitativo, basado en cinco entrevistas a artistas pintores vinculados con la ciudad de Puebla, señalando el cómo percibieron y trascurrieron la pandemia, y que de manera sintética generó cambió intempestivos a sus condiciones de vida y trabajo, visibilizó efectos diferenciados según niveles de ingresos y desigualdad social, evidenció la inexistencia y/o insolvencia de los sistemas de salud públicos, trastocando la vulnerabilidad de la vida humana.

También se integra un estudio de campo, sobre los músicos mixe de la Asunción Cacalotepec, Oaxaca, siendo su organización social de tipo comunal, donde la asamblea general detenta el poder de determinación y los intereses individuales se subordinan al bienestar de la comunidad, de aquí que la música como una de las expresiones artísticas más importantes para el pueblo mixe busque hacer prevalecer la esencia de su forma y sentido de vivir ante cualquier idea o amenaza externa a su comunidad, manifestando resistencia a dejarse absorber. La música es el enlace con su sentido de socializar, por ello, el músico tiene una formación de años que en la mayoría de los casos comienza desde la infancia y de diversos instrumentos, incluyendo la composición de piezas. el músico Mixe tiene claro que su actividad implica no sólo la recreación o entretenimiento, sino también seguir preservando parte de la cultura, de sus tradiciones, de la cosmogonía.

1. El trabajo artesano frente a la subordinación al capitalista, estructurado por cuatro artículos desarrollados a partir de estudios de campo y entrevistas, el primero, de entrevista a mujeres militantes del movimiento “Artivismo textil”, integrado mayoritariamente por mujeres que protestan y luchan contra la violencia de género en particular, los feminicidios, la desaparición de mujeres, la violencia estructural, generada por un sistema social patriarcal, androcéntrico y clasista, a través de actividades creativas vinculadas con el arte textil, particularmente del bordado, quehacer u oficio ubicado en el catálogo occidental de “arte menor” o “propia” de lo “femenino”. El grupo de Artivistas, lo han resignificado política y estéticamente, como lenguaje crítico y de protesta, extrayéndolo de su aislamiento y reclusión doméstica, colocándolo como medio y fin de educación y concientización social.

Otra investigación de campo fue sobre la tensión en la que se encuentra la tradición religiosa popular de la elaboración de alfombras de aserrín y flores en el centro urbano de la ciudad de Huamantla, Tlaxcala, polarizada entre la conservación de la fiesta popular religiosa, fenómeno identitario de esa comunidad, y su proceso de mercantilización y patrimonialización a través de la participación de Industrias culturales en contubernio con las políticas públicas para impulsar la industria del turismo, a través de la estrategia PROMÁICO, sometiendo a un proceso de fetichización, folklorización, estetización y mercantilización a esa tradición cultural religiosa popular; trasformando al acto comunitario de fe religiosa en un espectáculo teatral turístico. 

Y la última investigación, se da cuenta las condiciones laborales del trabajo artesanal en piedra, en la comunidad de Tecali de Herrera, Puebla, principal motor económico de las familias de esa localidad. El artículo da cuenta de los principales problemas a los se enfrenta dicha actividad artesana, como la disminución de yacimientos de mármol y ónix cercanos, la necesidad de adquirir dicha materia prima de minas ubicadas en otros estados del país e incluso en otros países, lo que frecuentemente propicia la especulación e inestabilidad en el mercado artesanal en Tecali; la competencia desleal entre talleres y comercios, motivada principalmente por la sobre oferta de su artesanía y el control de los mercados nacionales y de exportación.

Comentario final

Los trabajos aquí expuestos, son una pequeña muestra de lo diverso y completo que es buscar estudiar y comprender esas realidades artístico-artesanas, altamente contradictorias y en permanente movimiento y cambio, en donde se deconstruyen y reconstruyen, empobrecen y enriquecen, se modifican y desaparecen las identidades, dentro del marco del despliegue del capitalismo, que por un lado impulsa el desarrollo de las capacidades productivas, pero por el otro, va subsumiendo todas las actividades humanas a su racionalidad, al trabajo asalariado y no asalariado, a su enajenación, o fetichzación mercantil.

También se puede observar, por un lado, la diversidad de perspectivas teórico conceptuales para intentar analizar y explicar cada una de esas problemáticas, y por el otro, la dinámica semántica de la potencial conceptualización de esas realidades concretas en su devenir histórico social y cultural.

Por último, el libro representa un valioso y ejemplar intento por impulsar el trabajo académico y de investigación en términos de integración colectiva e interdisciplinar, así como el de seguir aprendiendo a escuchar al otro, y reconociéndonos en lo otro. En este link podrán adquirir el texto completo:

https://repositorio.buap.mx/rdgp/public/inf_public/2025/1/EL_TRABAJO_ARTI%CC%81STICO_ARTESANAL.pdf